Unsere erste Begegnung mit Ian war bei „Fiambre“, seinem Projekt. Nach einem Nachmittag in der Kunstgalerie Aula 46, seine Ausstellung „TRES ESPAIS, UNA PEÇA, UNA OBRA“ (Drei Räume, ein Stück, ein Kunstwerk) besuchten und in die visuelle Atmosphäre und die sich wiederholenden Frequenzen der Klangerzeugung eintauchten, wollten wir, dass er die Stimme ist, die unseren Raum besetzt.
Wir sprechen mit ihm über seinen künstlerischen Rahmen, weltliche Inspirationen, Malerei und Sound.
Erzähl uns von dir.
Hey, ich bin Ian Soler Bradley, ich bin 23 Jahre alt und lebe und arbeite in La Floresta, Barcelona. Zurzeit arbeite ich als Assistent in einer Schule und schließe mein Philosophiestudium ab. Die meiste Zeit verbringe ich mit der Arbeit in meinem Studio.
Was bedeutet Musik in deiner Malerei?
Musik ist ein grundlegendes Element für meine Malerei, sie ist in vielerlei Hinsicht eng mit ihr verbunden und stellt eine große Wechselwirkung und Abhängigkeit zu ihr her. Man könnte sagen, es ist eine fast symbiotische Beziehung. Ein Beweis dafür war die Installation der letzten Ausstellung mit meinem Mitarbeiter Elías Fabré (Ellian) in der Aula 46, bei der Musik und Malerei, Klang und Bild, zusammenwirkten, um eine sensible, ganzheitliche Erfahrung zu schaffen.
Musik, verstanden als ein Arrangement von Klängen, die auf eine bestimmte Art und Weise angeordnet sind, bringt mich dazu, mich für das Konzept des Klangs selbst zu interessieren. Seit einiger Zeit richtet sich mein Interesse auf etwas, das mehr mit dem Klang zu tun hat, und auf die Parallelen, die sich zwischen dem Klang und den Grundelementen des Zeichnens und der Malerei herstellen lassen: der Punkt, die Linie, die Farbgebung, der Raum …
Es ist die Kombination dieser Elemente oder Parameter, die die Kompositionen gestalten und sie in etwas Rhythmisches verwandeln. Der Rhythmus ist auch ein grundlegendes Element in einer plastischen Komposition; es entsteht ein Dialog zwischen einem oder mehreren Stücken eines Ensembles und dem Raum. Die Synergie, die durch richtig arrangierte Stücke in einem Raum entstehen kann, hat viel mit musikalischem Rhythmus zu tun und hat, wie in der Malerei, nicht nur mit der Qualität des einzelnen Stücks zu tun, sondern auch mit seinem Arrangement auf einem Album, in einer Session, einer Live-Performance und so weiter.
Wenn ich mich recht erinnere, sagte Derrick May (einer der Väter der elektronischen Discomusik), dass er den sich wiederholenden Klang der Maschinen in den Fabriken von Detroit, wo er arbeitete, viel interessanter fand als die komplexe Jazzmusik, die er von seinen Eltern geerbt hatte. Ähnlich ergeht es mir mit der Malerei: Ich interessiere mich oft mehr für einfache, alltägliche Elemente als für die Kompositionen der großen Meister, ohne deren Bedeutung zu schmälern. Elemente wie abblätternde Wände, halb ausradierte Straßenschilder, Wände mit ungleichmäßigen Farbschichten, Böden mit ansprechenden Mustern, Kieselsteine, Farbreflexe auf Autos, unfertige Kunstwerke, Werbetafeln, die interessante Collagen ergeben, sowie viele andere Dinge.
Abgesehen von dieser Beziehung, die vielleicht mehr mit der Klangabstraktion und ihrer Ähnlichkeit zu meiner visuellen oder plastischen Forschung zu tun hat, gibt es Verbindungen zwischen diesen Medien, die offensichtlicher sind und keine solche Konzeptualisierung erfordern. Ein wichtiger Aspekt ist zum Beispiel, dass ich normalerweise mit Musik arbeite und diese in meiner Arbeit deutlich dargestellt werden muss. Ein anderer ebenso wichtiger Aspekt, oder vielleicht sogar noch wichtiger, ist, dass mein Vater – die Person, die mir die Welt der Sensibilität und Wertschätzung gezeigt hat – ein guter Pianist und Musiktheoretiker war.
Von klein auf erhielt ich viele Informationen, Referenzen und Richtlinien, mit denen ich endlos kämpfte, mit denen ich aber schließlich aufwuchs. Bach war bei uns zu Hause eine Institution, es war Pflicht, ihm zuzuhören, ebenso wie den großen Freejazz-Musikern, die in unserem Umfeld verehrt wurden, wie Archie Shepp, Ornette Coleman... Einen Teil der frühen Jahre meines Lebens verbrachte ich in einer von meinem Vater geführten Bar namens Be-Bop, in der wunderbare Jam-Sessions stattfanden, bei denen ab einer bestimmten Stunde das Geschirr überall herumflog und krachte.
Musikalisch gesehen war mein Vater jedoch nie ein nostalgischer oder verschlossener Mensch. Im Gegenteil, er war ganz und gar für die Entwicklung von Klang zu neuen Grenzen, daher sein Engagement und Interesse an elektroakustischer Musik und der Suche nach abstraktem Klang. Ich muss ihm für diesen Antrieb und Forschungsdrang danken, den er mir vermitteln konnte. In der Tat waren die Texte und Kompositionen von Stockhausen, Xenakis, Ligetti, Boulez, Cage usw., in denen es um Klang ging, für mich am einflussreichsten. Ebenso kann ich mich am besten mit Menschen identifizieren, die mit Klang arbeiten: mein Freund Ignasi (Kip Clerk), mein Vater, Elías ...
Woher stammen „Fiambre“ und „Jamón Jamón“?
Ein fiambre („Wurstwaren“ oder „Leiche“ auf Spanisch) ist eine Spur, die aus einer Bewegung resultiert, wie der Fußabdruck eines Spaziergängers, dessen Weg vorübergehend auf dem Boden aufgezeichnet wird.
Ähnlich verhält es sich mit der Malerei, bei der das Endergebnis so etwas wie ein Tatort ist, an dem eine Reihe von Veranstaltungen (Striche, Radierungen, Korrekturen und so weiter) stattgefunden haben, aber der einzige Beweis sind die Elemente, die auf der Leinwand geblieben sind, also die Leiche, die Spur. Eine Blume, die gerade gepflückt wurde, um ihre Schönheit zu betrachten und sie zu besitzen, ist auf dem Höhepunkt ihrer Pracht, aber von da an wird sie dazu neigen zu verwelken, bis sie verschwindet. Sie ist die Schönheit in ihrem Moment vor dem Verfall. Das ist „Fiambre“.
Auf deiner IG haben wir Beiträge über die Inspiration hinter einem Werk gesehen. Kommt sie aus dem Greifbaren und Greifbaren, oder eher aus einem Konzept in deinem Kopf?
Es ist eine Mischung, es gibt unmittelbare Eindrücke und andere Reflexionen, die Bruchstücke von Informationen hinterlassen, wie ein Stein, der langsam poliert wird. Entweder durch die Veränderung, die durch meine Handlungen verursacht wird, oder durch die Reifung und/oder die Wirkung der Zeit. Dann gibt es einige Themen, die in meiner Arbeit eine große Rolle spielen, wie Musik, Clubbing, Tanzen, Barça, Wald, Wiederholung, Gesten, Liebe, Sex... Das sind Themen, die ich gerne analysiere und über die ich nachdenke. Ich verbringe gerne viele Stunden in meinem Atelier. Ich arbeite nur draußen, um die Landschaft zu malen, die auch ein grundlegendes Element meiner Malerei ist, da sie mir hilft, Licht und Farben zu studieren.
Es ist schwierig für mich, ein Praktikum zu machen und in einem Arbeitsbereich, den ich nicht kenne, ganz von vorne anzufangen. Ich ziehe es vor, in meinem Studio zu bleiben, umgeben von meinen Werken und meiner eigenen Farbe. In diesem Sinne versucht meine Arbeit, sich selbst zu erhalten: Ich analysiere die Arbeiten in meinem Atelier und kreiere Variationen oder Kombinationen von Ideen und einfachen Momenten. Es ist, als ob ich meine Arbeit sammele, neu arrangiere und Elemente daraus entnehme... Man könnte sagen, dass meine Arbeit versucht, sehr endogam zu sein, deshalb sind die Bilder wohl auch immer hässlicher und dümmer.
Ich bin kein großer Verbraucher von Malerei oder Kunst. Ich versuche, das zu sehen, was mich interessiert, oder die Arbeiten meiner Kollegen. Allerdings bewundere ich viele Künstler aus verschiedenen Disziplinen wie Baggio, Zidane, Riquelme, Maradona und Cruyff, um nur einige zu nennen.
Erzähl uns von deinen aktuellen Projekten.
Ich befinde mich zurzeit in einem selbst auferlegten zweimonatigen Praktikum in meinem Studio und arbeite Vollzeit. Ich erarbeite und verfeinere Konzepte für die kommenden Ausstellungen im neuen Schuljahr, die zu gegebener Zeit angekündigt werden.
Ich verfolge einen ähnlichen Weg wie in Aula 46, aber ich suche nach einer sorgfältigeren und raffinierteren Linie und versuche, einen Schritt weiterzugehen und der Idee der Malerei eine Wendung zu geben. Ich versuche, so weit wie möglich eine solide Bildsprache zu entwickeln, die mir treu bleibt und sich von den Trends in meinem Umfeld abhebt. Eine Identität zu schaffen und nach Innovation zu streben. All diese Fortschritte erfordern Zeit und Arbeit, erst recht nach einem so ehrgeizigen Projekt wie unserer letzten Ausstellung.
Es war nicht leicht, wieder in den Ring zu steigen und Inhalte zu produzieren, mit denen ich zufrieden bin. Es war ein langsamer und schrittweiser Prozess, mich wieder wohl zu fühlen und zu merken, dass ich tatsächlich etwas erreicht habe, aber nach und nach schien alles einen Sinn zu ergeben. Das Studio ohne meine besten Kunstwerke zu sehen, ohne sie zu haben, war schwer zu verkraften, aber die Lösung war positiv. Ich musste mich selbst dokumentieren, neue Ideen einbringen und diese Kunstwerke als Spuren einer latenten Arbeit verstehen.
Installation und die Arbeit an Raum und Klang sind die Aspekte, an denen ich zusammen mit Elías arbeite, um gute Ausstellungen mit Themen und Inhalten anbieten zu können, die begeistern, das Bewusstsein schärfen und geteilt werden können.
Interview von SVD
Fotos: Mit freundlicher Genehmigung des Künstlers